PRACTICA CAMARA ESTENOPEICA

PRÁCTICA CÁMARA ESTENOPEICA 

                                                                  

INTERIOR CAMARA
     

                                                         EXTERIOR CAMARA

                                                

He hecho una cámara estenopeica con una caja de cartón para zapatos con las siguientes medidas:

largo: 29cm.

ancho: 18cm.

alto: 10cm.

distancia focal: 10cm.

diámetro del estenopo: 0,72.


F=139 (f=100/0.72)

ángulo de visión: 9º22´34´

Al fabricar la cámara me he asegurado de que no entre luz que no sea por el estenopo, sellando bien la tapa. El interior de la caja lo he pintado de negro.

En el calculo del tiempo de exposición correcta de mi cámara estenopeica , el tiempo de exposición es el tiempo en que el estenopo permanece abierto durante la toma de la fotografía.

A mayor tiempo de exposición más cantidad de luz llegará al material fotosensible y viceversa.

Para calcular el tiempo de exposición hemos de tener en cuenta varios factores:

-el material fotosensible que usamos, el papel fotográfico presenta una sensibilidad standard aproximada de 4 o 6 ASA. en consecuencia los tiempos de exposición son mayores cuando usamos papel fotográfico.

-A mayor Nº f menor luminosidad y por tanto se requerirá de mayores tiempos de exposición.




1ª FOTOGRAFIA

La escena a fotografiar estaba compuesta por dos macetas con plantas colocadas encima de una mesa, y varias fotografías colgadas en el fondo que reciben la luz de dos focos colocados junto a ellas. En mi cámara estenopeica el ASA del papel utilizado es de 6, el f 139 por lo que tenemos que calcular cual es el tiempo de exposición adecuado para obtener una foto correcta.

1ª paso, con una cámara reflex ,en la misma escena, calculo la exposición correcta resultando un f = 5.6 ; v =1/125 con ASA =100.

2º paso, para obtener la exposición correcta para la estenopeica, calculamos los pasos que hay de 100 ASA a 6 ASA

ASA 3 6 12 25 50 100 200 400 800 1600 3200

4 pasos

Estos 4 pasos los compensamos en la escala de la velocidad:

subimos tantos puntos de tiempo como puntos hayamos tenido que bajar para llegar de 100 ASA a 6 ASA.


32 16 8 4 2 1 1/2 1/4 1/8 1/15 1/30 1/60 1/125


Obteniendo una velocidad de 1/8 sg.

3º Paso

Luego pasamos de un f 5.6 a un f 139, resultando que hay 9 pasos

1.4 2 2.8 4 5.6 8 11 16 22 32 45 64 90 125 180

Volvemos a compensar la velocidad en la escala de velocidades

64 32 16 8 4 2 1 1/2 1/4 1/8 1/15 1/30 1/60 1/125

Al tiempo que obtenemos, 64 sg, le aplicamos la fórmula del fallo de reciprocidad El fallo de reciprocidad es otro factor a tener en cuenta, esto se debe a que los materiales fotosensibles no responden a la intensidad de la luz de forma lineal cuando los tiempos de exposición son excesivamente prolongados.

Por ello ,para calcular el tiempo de exposición correcto es necesario multiplicar el tiempo de exposición obtenido por un factor de compensación.

64sgx2,5 = 160sg

Una vez que se el tiempo de exposición procedo a colocar la cámara a una distancia de 1m aproximadamente de la escena a fotografiar, abro el estenopo dejando pasar la luz durante 3 minutos.

El resultado de esta exposición es:


NEGATIVO

.
En la tira de pruebas del positivado hay ocho franjas de 2 segundos .

Elijo el tiempo de 10 sg y obtengo el siguiente resultado.El tiempo de revelado ha sido 2.5 min., 2 minutos de baño de paro, 3 minutos en el fijador y 5 minutos en el baño  de agua corriente. g.

Podemos ver que la fotografía ha quedado subexpuesta, le falta luz.

El negativo ha quedado subexpuesto, el tiempo de revelado ha sido también corto, dado que el negativo es débil, con menos contraste del normal, en las sombras hay pocos detalles y las luces son más grises que negras.



2ª FOTOGRAFIA

Intento corregir los fallos anteriores dejando más tiempo de exposición.

Vuelvo a cargar la cámara en el laboratorio, a ponerla a la misma distancia de la escena pero ahora dejo abierto el estenopo 5´30sg. para mejorar el resultado.





NEGATIVO

TIRA DE PRUEBA ( 2 sg. en cada paso)

ELIJO 12 SG. y obtengo el siguiente resultado.El tiempo de revelado ha sido 3 min., 2 minutos de baño de paro, 3 minutos en el fijador y 5 minutos en el baño de agua corriente.

El resultado ha mejorado , en esta fotografía el negativo tiene mas contraste de luces y sombras, hay más detalle en las sombras.



3ª FOTOGRAFIA

La escena en este caso es el cabecero de una cama. Me llevo la cámara cargada,en el laboratorio de clase y la coloco a 1 metro aproximadamente del objeto. Con una cámara reflex obtengo los siguientes datos: F 5.6 , v 1/60 ,ASA 100.

Mi cámara tiene f 139 y un ASA de 6.

Para calcular el tiempo de exposición correcta hago los siguientes cálculos


1º paso, calculamos los pasos que hay de 100 ASA a 6 ASA

ASA 3 6 12 25 50 100 200 400 800 1600 3200

4 pasos

Estos 4 pasos los compensamos en la velocidad en su escala:

32 16 8 4 2 1 1/2 1/4 1/8 1/15 1/30 1/60 1/125


Obteniendo una velocidad de 1/4 sg.

Luego pasamos de un f 5.6 a un f 139, contando 9 pasos


1.4 2 2.8 4 5.6 8 11 16 22 32 45 64 90 125 180

Volvemos a compensar con la velocidad

128 64 32 16 8 4 2 1 1/2 1/4 1/8 1/15 1/30 1/60 1/125

Al tiempo que obtenemos, 128 sg, le aplicamos la fórmula del fallo de reciprocidad

128sgx3 = 384sg

Una vez que se el tiempo de exposición procedo a colocar la cámara a una distancia de 1m aproximadamente de la escena a fotografiar, abro el estenopo dejando pasar la luz durante 7 minutos.

El resultado de esta exposición es:

NEGATIVO

TIRA DE PRUEBA( 2 sg. en cada paso)

TIEMPO POSITIVADO 14 sg.los tiempos en el proceso de revelado son los mismos que en la fotografía nº 2.

En esta fotografía el negativo tiene un buen contraste de luces y sombras, en la tira de prueba dejo dos segundos en cada paso. Elijo el paso 7 que implica 14 sg. dejando este tiempo para el positivado.





4ª FOTOGRAFIA



Me llevo la cámara cargada en el laboratorio de clase y la coloco a 1 metro aproximadamente del sujeto. Con una cámara reflex obtengo los siguientes datos: F 5.6 , v 1/30 ,ASA 100.

Mi cámara tiene f 139 y un ASA de 6.

Para calcular el tiempo de exposición correcta hago los siguientes cálculos

1º paso, calculamos los pasos que hay de 100 ASA a 6 ASA

ASA 3 6 12 25 50 100 200 400 800 1600 3200

4 pasos

Estos 4 pasos los compensamos en la velocidad:

32 16 8 4 2 1 1/2 1/4 1/8 1/15 1/30 1/60 1/125

Obteniendo una velocidad de 1/2 sg.

Luego pasamos de un f 5.6 a un f 139, contando 9 pasos


1.4 2 2.8 4 5.6 8 11 16 22 32 45 64 90 125 180

Volvemos a compensar con la velocidad

256 128 64 32 16 8 4 2 1 1/2 1/4 1/8 1/15 1/30 1/60 1/125

Al tiempo que obtenemos, 256 sg, le aplicamos la fórmula del fallo de reciprocidad

256sgx3 = 764sg


Una vez que se el tiempo de exposición procedo a colocar la cámara a una distancia de 1m aproximadamente de la escena a fotografiar, abro el estenopo dejando pasar la luz durante 10 minutos.

El resultado de esta exposición es:



NEGATIVO

TIRA DE PRUEBA

TIEMPO POSITIVADO 12 sg.

En esta fotografía el tiempo prolongado de exposición motivo que el sujeto de la foto se moviera .


Conclusiones:

La posibilidad de hacer fotos con  una cámara hecha de una  caja de cartón ,con un agujero ,sin lente es muy interesante a la par que alucinante,puesto que estamos acostumbrados a usar cámaras automáticas, supermodernas , con mecanismos complejos. 
En mi opinión el resultado de las fotos ha sido satisfactorio , teniendo en cuenta que no tengo  experiencia, la cual  se consigue  haciendo muchas fotos , probando con los tiempos de exposición y con el proceso de revelado.

GRACIELA ITURBIDE

Resumen de su obra

Nació en México en 1942 en el seno de una familia burguesa. Estudió en un convento y a los 20 años, en 1962, se casó con el arquitecto Manuel Rocha, con quien tuvo tres hijos. En 1969 estudió en el Centro de Estudios Cinematográficos de la Universidad Nacional Autómoma de México (UNAM) y realizó una película sobre el pintor mexicano José Luis Cuevas.

Graciela Iturbide ha desarrollado un estilo fotográfico basado en su profundo interés por la cultura, los rituales y la vida cotidiana en su natal México y en otros países. Llevando el concepto de la fotografía documental un paso más allá, haciendo visible la relación entre el hombre y la naturaleza, el individuo y la cultura, lo real y lo psicológico.

La Fundación Hasselblad eligió a la fotógrafa mexicana Graciela Iturbide como ganadora del Premio Internacional de la Fotografía 2008, considerado por algunos como el "Nobel" de la fotografía.

"Desde el primer momento que tomé mi cámara ha sido importante para mí describir la cultura del mundo mediante mis imágenes. Siempre me sorprende cuando puedo capturarla. La fotografía es la mejor parte de mi vida."

"La vida de un fotógrafo va cambiando de acuerdo con sus diferentes visiones y emociones"

Tras la súbita muerte de su pequeña hija de seis años, en1970, inició una búsqueda interior que le hizo descubrir la fotografía, obsesionándose por el deseo de fotografiar la muerte. Después de una fuerte vivencia, decidió dejar de fotografiar ese tema en 1979:

A comienzos de la década de los 70’s, Graciela fue asistente del célebre fotógrafo Manuel Álvarez Bravo durante un año y medio. Al lado de este fotógrafo, ella comenzó a fotografiar los pueblos indígenas. De 1972 a 1975, Iturbide fue regularmente a Panamá a fotografiar el pueblo de Panamá y al general Omar Torrijos.

General Torrijos

En 1975 participó en su primer exposición “Tres fotógrafas mexicanas”, organizada por la galería José Clemente Orozco de México. El primer elogio a su trabajo, hecho por Manuel Álvarez Bravo, fue publicado en la revista “Artes Visuales” del Museo de Arte Moderno de México. Ese mismo año ganó el premio Eugene Smith, así como una beca de la Fundación Guggenheim.

En 1979, invitada por el pintor de Juchitán, Francisco Toledo, Graciela Iturbide realizó en Juchitán, Oaxaca, una serie de fotografías sobre la cultura zapoteca, del cual surgió una publicación llamada “Juchitán de las Mujeres”.

Esta primera experiencia la hizo tener contacto con las mujeres zapotecas, mujeres politizadas que, en ese momento, estaban involucradas en la lucha del Movimiento Estudiantil Obrero Campesino del Istmo de Tehuantepec. Esta experencia sería una fuerte inspiración en su trabajo.

Comentario

En la siguiente foto titulada”Nuestra Señora de las Iguanas” vemos a una mujer con iguanas vivas sobre su cabeza; tenían la boca cosida para que no mordieran. Nos muestra el rostro de una mujer que tiene un carácter fuerte y especial, muy propio de las mujeres juchitecas.

"Nuestra Señora de las Iguanas"

Su fotografía emblemática titulada “ Nuestra Señora de Las Iguanas” (Our lady of The Iguanas), fotografía que tomó en Juchitán, contribuyó a su reconocimiento a nivel internacional. A propósito de esta imagen, las personas en Juchitán más tarde la usaron como cartel para celebrar el décimo aniversario de la Casa de la Cultura de Juchitán. La gente de Juchitán le llamó “Medusa Juchiteca”.

Al mismo tiempo, estuvo en el desierto de Sonora con los indios seris donde realizó fabulosas imágenes del norte y publicó un libro llamado “Los que viven en la arena”, donde aparece la conocida fotografía “Mujer angel” .

"Mujer angel" Desierto de Sonora . Mexico. 1979

He elegido estas fotos porque a través de ellas podemos ver lo que ha sido una constante en su trabajo ,el interés por la cultura, los rituales y la vida cotidiana en su natal México y en otros países. Llevando el concepto de la fotografía documental un paso más allá, haciendo visible la relación entre el hombre y la naturaleza, el individuo y la cultura, lo real y lo psicológico.

Así en la siguiente foto “Magnolia”, una foto de un travestí que porta un vestido, mientras se mira en un espejo. Esta costumbre es aceptada en Juchitán y hay libertad para los homosexuales, que son llamados muxes, incluso se realiza una fiesta cada año en este lugar organizada por los muxes donde acude todo el pueblo.

"Magnolia"

Jaipur (India) 1998.

Después, en Estados Unidos dedica su búsqueda principalmente en el sur.

Su última exposición con imágenes hechas en Mozambique se compone de retratos de mujeres infectadas con VIH. Este trabajo fue realizado durante 12 días gracias a la comunidad de Saint Egidio, que fue expuesto en Roma durante Mayo de 2006, acompañado de un pequeño catálogo.

Actualmente, trabaja en Roma invitada por Marco Delogu, director del Festival de Fotografía en Roma para realizar un libro y una exposición sobre la ciudad de Roma.

ANNIE LEIBOVITZ

Fotógrafa con más de 25 años de experiencia no existe persona ( famosa o no) que haya rechazado su objetivo . Su alto dominio de la técnica fotográfica y su indudable don artístico avalan cada una de sus retratos , de sus fotografías.

Annie nació en 1947 en el estado de Connecticut ( EEUU). Después de vivir durante un año en Israel, comenzó su carrera fotográfica como freelance en la revista Rolling Stone, publicación en la que pronto ascendió a editora jefe. A partir de este momento comenzó a trabajar para revistas tan importantes como Vanity Fair, Vogue o Allure.

Son más conocidas sus fotografías que su persona, un buen ejemplo es el retrato de Jonh Lennon desnudo con su mujer, trabajo realizado para la revista musical Rolling Stone en 1980.

Ha sido considerada la fotógrafa por excelencia de los famosos pero también de las mujeres(famosas o no) . Su libro "Women" (1999) es uno de sus mejores trabajos, el cual barre las críticas de superficial que se han vertido sobre su trabajo fotográfico.

Susan Sontag colaboró en este libro aportando diferentes ensayos a las cerca de 150 fotografías de personajes famosos como Jodie Foster , Navratilova...y otras personas no famosas. La Colaboración de Sontag ,con sus escritos y sus retratos , no es casual pues la escritora influyó de manera decisiva en la carrera de Leibovitz, ya que fue su pareja hasta que esta falleció.

Fue esta influencia la que hizo que en 1993 Annie acompañara a Sontag a Sarajevo para fotografiar la guerra de los Balcanes . El trabajo resultante se llamó "SARAJEVO, FALLEN BICYCLE OF TEENAGE BOY JUST KILLED BY A SNIPER".Se trató de 20 retratos hechos por Leibovitz entre balas y granadas para Vanity Fair .Entre los retratados aparecían el musulmán Abdullah Sidran, guionista de los filmes de Emir Kusturica; la periodista serbia Gorsdana Knezevic, el cantante Keinal Monteno y el catedrático Zdravko Grebo.Algunas fotos también reflejan escenas cotidianas de la vida de Sarajevo, cuando sus habitantes, ya indiferentes a los francotiradores, van a por agua con bidones de plástico o se refugian de la lluvia tras cristales rotos.

Ha sido merecedora de importantes premios de instituciones tan relevantes como la American Society of Magazine Photographers (1984, "Fotógrafo del año", 1987 "Premio a la innovación en fotografía"). También ha fundado su propio estudio en Nueva York. Hoy, es uno de los escasos fotógrafas vivas que han expuesto sus obras en el National Portrait Gallery.

Comentario

He elegido estas fotografías porque ponen de manifiesto un rasgo fundamental del trabajo fotográfico de Annie, cuando retrata personajes siempre destaca, nos hace ver algún rasgo importante de la personalidad del mismo.

Entre sus últimos trabajos figuran la sesión fotográfica a la Reina de Inglaterra y su visión del mundo de Disney utilizando a famosos para ello.

ROBERT CAPA

Robert Capa es el seudónimo de la pareja formada por Ernö o Ernest Andrei Friedmann (Budapest, Hungría, 22 de octubre de 1913 -Thai Binh Vietnam, 25 de mayo de 1954) y Gerda Taro o Gerta Pohorylle (*Stuttgart, Alemania, 1 de agosto de 1910 - †Madrid, España, 26 de julio de 1937). Posiblemente, el más famoso corresponsal gráfico de guerra del siglo XX.

Resumen de su obra

Robert Capa (Ernö Friedmann), nació en la ciudad de Budapest, en el seno de una familia judía con buen pasar económico. Su madre una diseñadora de modas y su padre un pensador intelectual con influencias aristocráticas. En Hungría, en esos tiempos, era costumbre pertenecer a un círculo, ya fuera artístico o político, y Endré, que no fue una excepción, entró a dichos círculos, donde era tradición poner sobrenombres. Así fue como recibió el apodo de Bandi.

Condenado en su adolescencia a vivir vagando por la ciudad por la instauración del taller de sus padres en la casa, después de que éstos perdieran el local a raíz de la depresión económica de 1929. En estas andanzas conocería a una de las mujeres que más influyó en su vida, y se puede decir que, si no hubiera sido por ella no habría llegado a ser un gran fotógrafo. El nombre de esa mujer era Eva Besnyo, quien desde muy joven tuvo un gran interés por la fotografía. Eva era una de esas personas a las que le parecía más productivo tomar fotografías que hacer sus deberes escolares. En su juventud ya tomaba fotografías con su cámara Kodak Brownie. Ella y su especial gusto por este arte motivaron el primer contacto de Endré con la fotografía.

En 1929 la situación política iba de mal en peor con la imposición de un gobierno fascista en el Hungria, lo que obligó al joven Endré a salir del país junto a la gran masa de jóvenes que se sentían presionados por la falta de un gobierno democrático y garantías económicas.

A los 18 años abandona Hungría, entonces ya bajo un gobierno fascista. Tras su paso por Alemania, viaja a París, donde conoce al fotógrafo David Seymour quien le consigue un trabajo como reportero gráfico en la revista Regards para cubrir las movilizaciones del Frente Popular.

Entre 1932 y 1936, tratando de escapar del nazismo, Ernest Friedmann, viviendo en Francia, conoce a la fotógrafa alemana Gerda Taro (Gerda Pohorylle) que acabaría siendo su novia. Para tratar de aumentar la cotización de los trabajos de la pareja a menudo rechazados, inventan el nombre del fotógrafo norteamericano Robert Capa, seudónimo utilizado indistintamente por ambos. Este hecho constituye la base de la polémica sobre quién de los dos tomó en realidad algunas de sus fotografías más relevantes.

Al estallar la Guerra Civil Española en julio de 1936, Capa se traslada a España con su novia para cubrir los principales acontecimientos de la contienda española. Implicado en la lucha antifascista y con la causa de la República, estuvo presente, desde ese lado, en los principales frentes de combate, desde los inicios en el frente de Madrid hasta la retirada final en Cataluña. Durante la II Guerra Mundial, está presente en los principales escenarios bélicos de Europa, así desde 1941 a 1945 viaja por Italia, Londres y Norte de África. Del desembarco aliado en Normandía, el 6 de junio de 1944, el famoso día-D, son clásicas sus fotografías tomadas, junto a los soldados que desembarcaban en la propia playa denominada Omaha en la terminología de la operación. Plasmó asimismo en imágenes la liberación de París. Huston Hu Riley fue el fotógrafo que retrató ese momento.3 Con motivo de su trabajo durante este conflicto, fue galardonado por el general Eisenhower con la Medalla de la Libertad.

En 1947 creó, junto con los fotógrafos Henri Cartier-Bresson, Rodger, Vandiver y David Seymour, la agencia Magnum Photos, donde Capa realizó un gran trabajo, tenía grandes amistades, entre las que se incluían Pablo Picasso, Ernest Hemingway .

Comentario

He elegido las siguientes fotografías de Capa porque me ha impresionado su tremenda realidad,captando el momento mismo en que algo tan terrible como recibir el impacto de una bala asesina queda reflejado.Refleja en sus fotografias la crueldad de la guerra. Robert Capa decía: “Si tus fotografías no son lo suficientemente buenas es por que no estás lo suficientemente cerca.”

En 1936, Robert Capa retrató a un miliciano español en el momento mismo en que recibía una mortal herida de bala. La imagen recorrió el mundo y catapultó la fama de Capa

Teruel, 21 de Diciembre 1937.

Los muertos yacen sobre el helado campo, esta foto la publicó Life el 28 de Enero de1938.

Alarma de Bombardeo

JACQUES-HENRI LARTIGUE

JACQUES-HENRI LARTIGUE

Resumen de su obra

Jacques-Henri Lartigue nació el 13 de junio de 1894 en Courbevoie ( Francia ).

Su padre era un adinerado hombre de negocios.

Cuando Jacques-Henri cumple siete años, su padre, le regala su primera cámara fotográfica ( un aparato 13 x 18 con trípode ).

A partir de ese momento comienza a fotografiar todo lo que se mueve, todos sus juegos y los de sus hermanos y amigos.

Sigue fotografiando todo lo que le atrae: los automóviles, aviones, las bellas damas que se pasean por el Bois de Boulogne.

En 1910 su padre le regala su primer tomavistas.

Siempre consideró la fotografía como una dedicación de segundo nivel, se sentía pintor.

Pero ha sido reconocido mundialmente por sus fotografías.

Realizó varias exposiciones fotográficas en París, pero es a partir de 1963, cuando el MOMA de Nueva York lleva a cabo una exposición y Life publica un artículo sobre sus fotografías, cuando se consagra como fotógrafo mundialmente reconocido.

Sigue haciendo fotografías durante toda su vida, siempre con la misma mirada.

Se conservan unas doscientas mil fotografías de Lartigue.

Muere en 1986 en Niza ( Francia ).

Comentario de sus fotografías

He elegido estas fotografias porque lo que valoro en su trabajo es la espontaneidad, la sinceridad, el juego, la felicidad, la alegría de vivir.

Esto unido a la época que refleja en sus imágenes: primeros años del siglo XX y al ambiente y los personajes de sus fotografías: la alta burguesía francesa, hacen que sus imágenes reflejen un mundo feliz.

Todas sus fotografías, reflejan un mundo apacible, mostrando personas que disfrutan de sus vidas, que se divierten o que juegan constantemente.

Este planteamiento es fiel reflejo de una persona que tiene una infancia feliz y que parece que no envejece, siempre tiene una mirada infantil.La vida ya es bastante dura como para que todo sea sufrimiento y denuncia.

Elsa Maxwell, disfrazada de infanta, 1951

De paseo por el Bois de Boulogne, París, 1911

ALEXANDER RODCHENKO

Resumen de su obra

Rodchenko inicia sus estudios y su actividad como pintor, pero a lo largo de su vida realizará fotografías, collages, cartelismo, diseño, pequeñas esculturas y películas, obteniendo notable éxito en todo ello. Quizá sea más recordado como fotógrafo, figurando en todos los libros de historia de la fotografía, como gran innovador y máximo representante de las vanguardias soviéticas. Más concretamente del constructivismo.

Pero este reconocimiento no impidió que se viese relegado al ostracismo estalinista, hasta el punto de tener que abandonar la fotografía en 1942. A pesar de que, antes y después de la revolución, Rodchenko se implica en asociaciones artísticas de carácter progresista y comunista. Sindicato de Artistas Pintores, Instituto de Cultura Artística, Grupo Octubre, revista LEF…

Contexto

Antes de la revolución de Octubre, Rodchenko, el pintor, frecuenta los círculos futuristas. Esta influencia se notará en sus posteriores fotos. El ideal de la máquina como símbolo de modernidad, la importancia de la geometría, la disposición de los objetos en el plano, la línea como articuladora del espacio y creadora de ritmo. Todo esto lo heredará el constructivismo, añadiendo una mayor carga de análisis y objetividad, en busca de un arte racional, ligado a la industria y desapegado de la tradición. Un arte objetivo, impersonal. Ni descriptivo ni narrativo, para superar los atavíos espirituales y metafísicos.

Otra de las influencias que recoge Rodchenko al principio de su carrera es la de los fotomontajes que empiezan a llegar, procedentes del Bauhaus, de los dadaístas y otras vanguardias europeas. Se trata de un nuevo lenguaje que le atrae enormemente, y será la vía que le lleve a la fotografía. Al principio realiza collages partiendo de fotos de otros, pero pronto empieza a realizar las suyas propias como recursos para los fotomontajes.

Los años 20 son una década optimista, donde se fomenta la experimentación y la vanguardia. En este contexto de efervescencia artística se producen las primeras propuestas constructivistas, en todas las artes. Fotografía, pintura, arquitectura, escultura… Se busca el nuevo lenguaje que requiere la nueva sociedad soviética.

Sin embargo, cuando Stalin se asienta en el poder, terminará con estas políticas y el ambiente derivará hacia el pensamiento único. Toda experimentación que busque nuevos puntos de vista pasará a ser mal recibida, y ya en 1928 Rodchenko empezará a soportar las críticas que lo acusan de plagiar el estilo de los europeos imperialistas, por las conexiones y afinidades del constructivismo con el resto de vanguardias internacionales.

El ambiente fotográfico con que se encuentra Rodchenko es el del pictorialismo, asentado y generalizado.

Pero por todas partes surgen propuestas que irán en contra de este estilo. La nueva objetividad de August Sander, Moholy-Nagy y la Bauhaus, el dadaismo de Raoul Hausman, Man Ray, el documentalismo de Hine…

La Rusia soviética, un país que alumbra una nueva sociedad, necesita un nuevo lenguaje para sus artes, y por tanto también para su fotografía, que ha de romper totalmente con la tradición. El pictorialismo ruso, será duramente criticado desde las instituciones comunistas, a las que pertenece Rodchenko, considerando que ese estilo ensalza los valores burgueses, auspicia la decadencia y apoya la propiedad privada rural; opuesta a la idea estatal de colectivización agraria. Las fotos de Rodchenko, y las de sus compañeros de vanguardia, serán totalmente opuestas, no sólo estéticamente sino desde sus concepciones y pretensiones.

Es la era de la máquina y muchos, como Rodchenko, adoptan la fotografía como el medio de expresión ideal, ya que “es mecánica y objetiva, y por tanto progresista”.

Siguiendo estos postulados, el tema industrial proliferará en las fotos de Rodchenko, y en otros muchos de sus contemporáneos. Los nuevos edificios, los coches, los aviones, el teléfono, los postes y torres de electricidad,…

Pero la manera fundamental de romper con el pasado, con la tradición pictorialista, no es únicamente de tipo temático, sino fundamentalmente de enfoque. Hay que encontrar nuevas maneras de ver las cosas.

Comentario de sus fotografías

He elegido las siguientes fotografías porque nos muestran los objetos cotidianos y familiares bajo perspectivas y ángulos totalmente inesperados y en situaciones inesperadas., ya que la intención de su autor era enseñar al ojo humano a ver de una forma nueva. El poder expresivo de una fotografía depende tanto de los medios explicativos empleados como del sujeto descrito. Los puntos de vista más interesantes para mostrar la realidad ya no es la vista horizontal de un hombre de pie, sino de abajo arriba y de arriba abajo, con el horizonte inclinado, lo que hace que la imagen adquiera mayor movimiento y dinamismo.

Algo parecido a la definición que años después daría Capa de lo que es componer una foto:

“la manera más potente de ver”

La línea inclinada produce composiciones dinámicas, como la nueva sociedad, con fuerza. Su repetición produce un ritmo que estructura el plano y los objetos ocupan el espacio libremente, sin anclarse a la tradicional tiranía de las fotos niveladas. Dos de los mejores ejemplos constructivistas los encontramos en estas fotos.

Ya no interesa el punto de vista horizontal del hombre de a pie. Liberado de los convencionalismos y gracias a las pequeñas cámaras Leica, Rodchenko experimenta con nuevos ángulos. Picados, contrapicados, horizontes inclinados, fotos de árboles como si fuesen chimeneas industriales, perspectivas forzadas…

Su afán analítico, documental, que en retratos se concreta en la supresión de todo lo superfluo. La cabeza y poco más. Sólo aquello que realmente aporte algo, como las gafas en el retrato de su madre, para informarnos un poco más de su edad y su estado.

Retrato de la madre Rochenko,1924